第二节 国画（中国传统绘画）艺术赏析

中国艺术的特点不在于再现，而是将对客体的感受、认识，化为主体的精神、生命意兴并融入到艺术创造中去，重表现、重传神、重写意，强调艺术家心灵感受和意兴的表达。这与西方艺术传统中以描摹、再现客体、重视物化形态为主要特征的艺术思想是很不同的。

每个民族都有自己的艺术传统，自己的富于民族特色的艺术精品，而任何艺术精品都反映着艺术家的主体精神。西方的造型艺术，当然也是他们各自艺术精神的表现。如达·芬奇和米开朗基罗的作品，一直以其自由开放的人文精神感召着各个时代的观众，但其表现形态与我们东方艺术有着显著的不同。总体而言，西方传统艺术更重视剖析和摹写客体的真实，而中华艺术传统则强调神似，强调以形写神的客体的表现，但不是客体的再现。

意境是中国艺术审美的最高境界。在中国艺术的审美理念中，太形似的东西总是不大能感动人的。即使两千多年前青铜器上的那些动物也是被寄寓着“意味”在其中的。中华的绘画就特别强调境界。意境的追求，还广泛运用于书法、音乐、舞蹈、园林等传统艺术门类。即使在叙事艺术上，比如小说，也有很丰富的表现。《红楼梦》的意境创造就是最杰出的代表。

中国现代艺术与历史相比已经有很多不一样了。就中国画来说，过去明暗很不讲究，现在吸收西洋画法很多，但又体现出中国画法的精髓。例如，徐悲鸿、林风眠、吴冠中等现代绘画大家，他们融合西洋画法，丰富了中国画的表现技法。在音乐领域，《黄河大合唱》可算是中西音乐形式的合璧，但它无疑是表现了中华民族同仇敌忾的英雄乐章，回荡着鲜明的民族气派的旋律。另外，京剧《智取威虎山》“打虎上山”的音乐融入了交响乐的演奏，那雄浑的气势是一般民族乐器难以达到的艺术效果，但是其主旋律还是京剧的。而话剧则纯粹是西方的舶来品，在我国经过百年融合和民族化，现在已成为群众喜闻乐见的民族戏剧的一枝了。

中：主观表现、写意传神、内在真实、外师造化、中得心源、天人合一、情景交融，更符合艺术的创造性特点。

西：客观在现、逼真写形、外在真实、模仿自然、天人相分、突出科学性。

绘画题材：

　西：人物画、风景画、静物画；

　中：人物画、山水画、花鸟虫鱼动。

绘画体裁：工笔画、写意画（泼墨大写意）。

绘画工具：

　中：文方四宝——毛笔、宣纸、墨、砚台，尤其毛笔的特点是一个尖锥体，适合线条表现；

　西：刷子、颜料、麻布。刷子（bush）适合面块的表现。

（一）中西绘画艺术形式上的区别

1.有无光影明暗

2.色彩差异，国画追求“意足不求颜色似，前身相马九方皋”

　国画以墨色为主，色彩较油画单调。墨分五彩：焦、重、浓、淡、清。西方人最初见到国画时以为是没有上色的素描，其实已是完成的作品，是文人有意识的追求，突出文人士大夫淡雅脱俗的心境。

宋代和尚牧溪《六柿图》

　在中国为什么出现水墨画，这显然有技术材料和艺术传统方面的原因。水墨画一般画在纸和绢上，其中又以纸张为主。中国造纸技术很发达，具有良好质感和丰富渗透功能的纸张为水墨画的出现提供了基础。而中国有书法的传统，书法的创作方式对水墨画有直接的影响。但更主要的原因却来自观念方面。

　用黑色的墨水在白色的纸、绢上作画，这是中国画家所钟情的“黑白世界”。

　黑白世界，对于中国人来说，是无色的世界，不是它没有颜色，而是说它没有绚烂富丽的颜色。中国画本来很重视色彩——早期的中国画被称为“丹青”，就是对色彩的强调。中国人色彩感受能力并不差，看一看中国京剧的服饰就可以明白这一点。所谓“错彩缕金”的美，到唐五代发生变化。

　唐代书画艺术家在道家思想的影响下，提出了“同自然之妙有”的观点。“同自然之妙有”是说，书画艺术应该具有造化自然一样的性质，造化自然是最朴素的，它排斥人为，排斥文饰。之中“同自然之妙有”的追求，体现在山水画创作中，就是以水墨代替青绿着色。唐代绘画理论家张彦远曾对水墨山水画兴起的思想根源作了说明。他指出，自然万象的本体和生命是“道”，也就是阴阳的气化，它是自然的，不是人为的。

　“道”是最朴素的，但它蕴涵着自然界的五色，产生着自然界的五色。自然万象的五彩，并不是依靠着丹碌、铅粉的着色，而是依靠朴素的“道”。水墨的颜色与道一样朴素。它最接近“玄化无言”的道，最接近自然的本色，是最自然的颜色。

　王维说“夫画道之中，水墨为上。肇自然之性，成造化之功。”即说水墨的颜色最符合造化自然的本色，所以水墨画在绘画中占有最高的位置。“画道之中，水墨为上”，从此成为中国绘画的主流观念。

　墨梅题诗

　　王冕

吾家洗砚池头树，

个个化开淡墨痕。

不要人夸颜色好，

只留清气满乾坤。

3.国画是线条的艺术，造型平面化；油画是块面的艺术，立体感、质感突出。原因是国画来自书法，所谓“书画同源”“永字八法”（点、横、直、钩、剔、撇、挑、捺）说明书法是绘画的基本功，更主要的是国画追求神似不求形似的结果，而西方油画来自雕塑，古希腊杰出的雕塑深深影响了后来西方的绘画。西方的绘画像雕塑，中国古代雕塑像绘画

　“皴”是一种特殊的线条，为了表现山石树木的褶皱、纹理而发明的，关于“皴”国画中有许多类型，什么雨点、披麻等，南北方山水不一样，“皴法”也就不一样。北宋画家擅长表现全景式的山水，属于致广大；南宋画家则另辟蹊径，擅长画山的一角或一边，属于致精微。“吴带当风”“曹衣出水”。当代画家潘绍光。

　“以线造型”是中国画最突出的特点，产生原因是古代中国人对纷繁复杂的大千世界一种简约的、带有抽象哲学意味的把握。如把世界分为阴阳两类，《易经》中的八卦、六十四卦，反映先民一种删繁就简的智慧。

4.散点透视与焦点透视

　中国绘画没有谨守透视的原则，甚至有回避透视问题。16世纪以来，很多人对此提出质疑。20世纪房龙的观点就具有代表性，他在《人类的艺术》中说：“在这个世界上，只有中国人和少数的孩子不理会透视法。”他对中国画很为不屑。中国在一千五百多年之前就有系统的艺术史著作，南朝谢赫在《古画品》录里，提出“六法”说，即绘画的六条基本原则。

　其中以“气韵生动”为第一。一千五百多年以来，气韵生动一直是中国画的最高原则，主张精神境界的呈现比形象的描摹要重要得多。苏轼说“论画以形似，见与儿童邻。”他的观点正好与房龙相反。房龙认为，中国画不讲透视，不讲形似，还停留在孩子涂鸦的程度。苏轼则认为，如果画画只知道形似，那真是与孩子差不多了。中国画不是讲形似，而是不仅仅讲形似，超越形似，妙在似与不似之间。

　北宋初年的山水画大师李成作画，注意到透视。他从一个固定的点看物象。大科学家沈括对他提出尖锐批评，认为画家应该“以大观小”而不应该象李成那样“以小观大”。真正的画家不应该停留在具体的视觉上，而应该用“心灵的眼”去观物，画家应画出意念中的世界，而不应局限于视觉中的具体存在。这就是“以大观小”，这里的“大”就是人心灵的统摄力。中国画的空间是想象中的空间，是表现一种精神境界。

　北宋画家郭熙《早春图》，提出“三远”，一是平远，目光向旷远处投去，将人带到遥远的世界。一是高远，目光由下往上看，突出山的高耸气势。一是深远，目光由山前向山后看，突出山的深厚。三远的方法并不合科学透视的要求，但却能突出山水的气势和境界。

风景画 焦点透视，照相机的原理

5.“虚实相生，无画处皆成妙境”